Habla el compositor

"Cuando me encargaron por primera vez este Concierto para violín, empecé a hablar con Charles [Yang] sobre diferentes ideas a explorar. Como ambos nos habíamos trasladado a Nueva York de adolescentes para estudiar en Juilliard, recordamos lo que sentíamos al adaptarnos a un entorno nuevo e increíblemente abrumador, y lo duro que puede ser para un joven superar el miedo, el estrés, las dudas, etc. Al mismo tiempo, no pude evitar una sensación similar de emoción y agobio al embarcarme en este encargo. Cuando era niño y crecí en Los Ángeles, ver una obra mía interpretada en el escenario del Walt Disney Concert Hall me parecía algo con lo que sólo podía soñar.

"Ese espacio y esa parte del centro de Los Ángeles han formado parte de mi vida. Empecé a dar clases de piano y teoría justo enfrente, en la Colburn School, el día que abrieron sus puertas en 1998. Participé en los Premios Spotlight en el Dorothy Chandler Pavilion (y allí me gradué en el instituto) y actué en el Walt Disney Concert Hall con la banda de jazz del instituto. Estar en esas salas y en esos escenarios me entusiasmó increíblemente sobre las posibilidades de mi futuro y mi propio potencial como músico. Me ayudó a imaginarme haciendo esto.

"Dicho esto, rara vez estaba entre el público de los conciertos en estos espacios, y cuando miro atrás y recuerdo mi relación con la música clásica, siempre deseo haberla apreciado más. En cierto modo, sentía que no pertenecía a ese mundo y, aunque estudié piano clásico junto con jazz hasta terminar el instituto, parecía que la música clásica no era 'para mí'. Como joven negro, no me veía entre el público, ni entre los compositores clásicos que se presentaban, ni siquiera entre los otros estudiantes con los que iba a la escuela. No verme en estos espacios me ayudó a crear una narrative interna de que no pertenecía a ellos.

"La música de cine empezó a cambiar eso para mí. No fue hasta que desarrollé un profundo amor y aprecio por las partituras cinematográficas de compositores como John Williams, Danny Elfman, Quincy Jones, John Powell, Howard Shore y Jerry Goldsmith cuando empecé a volver a escuchar música clásica y orquestal, y a ver/escuchar realmente de dónde venían. De repente, la música de Ravel, Prokofiev, Beethoven, Brahms, Steve Reich y otros cobró vida para mí, y aunque este campo no era mucho más diverso, fue una profunda inspiración ver cómo estos compositores combinaban sus estilos musicales personales con su formación clásica. Por no hablar de que, a veces, una gran narración puede trascender la raza y el género, y yo seguía encontrando inspiración en los héroes de las películas que veía de niño.

"Al tratarse de mi primera obra de concierto para orquesta, la forma y el sonido de la pieza empezaron a desvelarse a lo largo del proceso de composición. Habiendo aprendido tanto sobre narración como compositor de cine, quería ver si podía transmitir una narrative a través de la forma y el ritmo de esta pieza. Utilizando a Charles y su violín como protagonistas, me pregunté si habría alguna forma de seguir el formato de El viaje del héroe y, al mismo tiempo, respetar las reglas y tradiciones del concierto para violín.

"Cuando conocemos a nuestro héroe al principio de la pieza, se muestra algo melancólico y tímido, y muy pronto sentimos que casi está siendo empujado por la orquesta. La orquesta representa así la vida, y puede ser a la vez el matón y el mentor. Así que vamos y venimos de estos momentos de caos y ansiedad a estas secciones más suaves que representan el anhelo de tranquilidad, nostalgia, amor, etc.

"El segundo movimiento es un momento para que nuestro protagonista tenga por fin ese momento de paz y reflexión. Es en este movimiento cuando llegamos a nuestro 'Punto Medio', y nuestro héroe toma por fin el control de la narrative. Ahora dirige la orquesta, fluye con mucha más facilidad y actúa desde el amor y no desde el miedo.
"Por último, llegamos al movimiento final culminante en el que el héroe y lo que ha aprendido se ponen a prueba, y la facilidad con la que exhibe su confianza en sí mismo y su seguridad en medio del caos se muestra en todo su esplendor.

"En cierto modo, escribir esta pieza se convirtió en una forma de enviar un mensaje a la versión más joven de mí mismo, en términos de encontrar una manera de mantener el equilibrio y la paz interior en este mundo caótico y problemático, y también como una forma de alentar y celebrar mi curiosidad y amor por tantos tipos de música. Estoy muy agradecida a la American Youth Symphony y a la LA Phil por esta oportunidad, que me ha ayudado a reescribir mi propia narrative de que alguien como yo no pertenece a este espacio; actuaciones como ésta pueden seguir inspirando a otros jóvenes compositores que alguna vez hayan sentido que no pertenecen a él." -Kris Bowers

En septiembre de 1892, Dvořák, su esposa y dos de sus seis hijos se embarcaron rumbo a Nueva York, donde pasaron la mayor parte de los tres años siguientes. A diferencia de muchos otros inmigrantes checos, no esperaban empezar una nueva vida en el Nuevo Mundo. Jeannette Thurber, una rica filántropa y música formada en París, atrajo a Estados Unidos al compositor de 51 años, de éxito internacional. Ya había presionado con éxito al Congreso para que creara el Conservatorio Nacional de Música, el proyecto de su vida. Ahora quería que Dvořák fuera su director. Dvořák se mostró reticente al principio, pero el salario propuesto de $15.000 -más de 20 veces lo que ganaba en el Conservatorio de Praga- era demasiado tentador para rechazarlo.

Cuando no estaba enseñando o componiendo, el célebre bohemio paseaba por Central Park y se codeaba con otros emigrantes europeos en bares y cafés locales. Disfrutaba de su trabajo, pero añoraba su hogar. Pasó sus primeras vacaciones de verano en Estados Unidos en Spillville, una pequeña comunidad agrícola del noreste de Iowa poblada principalmente por inmigrantes checos. Dvořák, hijo de un carnicero, estaba encantado de saber que el carnicero de Spillville compartía su apellido.

Nuevo mundo, nuevos sonidos

La Novena Sinfonía fue la primera de varias obras que compuso íntegramente en Estados Unidos, desde los bocetos preliminares hasta la orquestación final. Aunque instó a sus alumnos del Conservatorio Nacional a explorar las formas musicales autóctonas, en ese momento sólo había escuchado un puñado de canciones folclóricas americanas, especialmente los Negro Spirituals que su ayudante Henry Burleigh cantaba para él. Dvořák también estaba fascinado por el popular poema de Henry Wadsworth Longfellow "La canción de Hiawatha", una descripción muy romántica (y tremendamente inexacta) de la vida americana.

¿Hasta qué punto es americana la sinfonía del Nuevo Mundo? Aunque muchos oyentes juran que escuchan fragmentos de melodías populares clásicas como "Turkey in the Straw", "Three Blind Mice" y "Swing Low, Sweet Chariot", las propias declaraciones del compositor al respecto son contradictorias. Mientras escribía la Novena, declaró que "la influencia de América puede ser sentida por cualquiera que tenga una nariz". Pero cinco años después de su salida de Estados Unidos, dijo a un director de orquesta que preparaba la Novena para su interpretación que debía "dejar de lado la tontería de que he utilizado melodías americanas. Sólo he compuesto con el espíritu de esas melodías nacionales americanas". En otro lugar, describió todas las composiciones que escribió en Estados Unidos como "auténtica música bohemia", afirmando que el título de la Novena sólo pretendía describir "impresiones y saludos del Nuevo Mundo".

Una escucha más atenta

Cuestiones de autenticidad aparte, la Novena es la sinfonía más famosa de Dvořák por razones sencillas y universales. Es inmensamente satisfactoria, con melodías pegadizas y una estructura robusta. La orquestación es exquisita pero juiciosa; las sonoridades son imaginative y conmovedoras. Los cuatro movimientos están unidos por la naturaleza cíclica de sus temas, que se entretejen a lo largo de la obra en una miríada de patrones y colores.

El primer movimiento, un taciturno Adagio, alterna la heroica grandeza wagneriana con interludios alegres, casi violinísticos, orlados de lisonjeros vientos. El Largo exhibe el emblemático tema del corno inglés, del que se hacen eco y transforman otros grupos de instrumentos; en el punto medio, un nuevo tema irrumpe en los vientos, un breve idilio con el canto de los pájaros. El agitado Scherzo, una sucesión de formas de danza que cambian de estado de ánimo y de compás, reúne cuerdas correteantes, cadencias galopantes y triángulos tintineantes. El final lo devuelve todo a casa, temática y emocionalmente, sintetizando todo el material anterior. Como promete la indicación de tempo Allegro con fuoco, es rápido y ardiente, pero también ofrece momentos de una dulzura sobrecogedora.

El estreno en diciembre de 1893 en el Carnegie Hall por la Filarmónica de Nueva York fue un triunfo sin paliativos. El público aplaudió después de cada movimiento e incluso obligó al compositor a levantarse con sus fuertes vítores al concluir el Largo.