Nacida en San Juan (Puerto Rico) y afincada en Brooklyn (Nueva York), Angélica Negrón es la compositora residente de la Orquesta Sinfónica de Dallas. Esta multiinstrumentista, compositora, educadora y periodista musical ha escrito numerosas obras para conjuntos de cámara y orquestas, así como partituras de películas y diversas piezas para acordeones, juguetes e instrumentos electrónicos y robóticos. Sus composiciones originales han sido encargadas e interpretadas por Bang on a Can All-Stars, Kronos Quartet, loadbang, MATA Festival, Brooklyn Youth Chorus, Sō Percussion y la American Composers Orchestra, entre otros. Como miembro fundador del grupo electroacústico transnacional Balún, canta y toca el acordeón y el violín. En 2022, el Hermitage Artist Retreat concedió a Negrón el Premio Greenfield, que incluye un encargo de $30.000 y una residencia de seis semanas.

Negrón recibió su formación inicial en piano y violín en el Conservatorio de Música de Puerto Rico, donde posteriormente estudió composición con Alfonso Fuentes. Tiene un máster en composición musical por la Universidad de Nueva York, donde estudió con Pedro da Silva, y ha completado los cursos para obtener un doctorado en composición en The Graduate Center (City University of New York), con Tania León.

Habla el compositor

“Lo que me mantiene despierto es una pieza muy personal inspirada en acontecimientos que me sucedieron y que me impedían conciliar el sueño por la noche. Escribí esta pieza en 2008, y en ese momento estaba luchando por encontrar mi propia voz como compositor, y también tratando de averiguar lo que significaba para alguien como yo escribir para un medio tan masivo, como una orquesta. Esta pieza es una exploración y una reflexión sobre el propio proceso de creative, lo que se siente al mirar una página en blanco, la vulnerabilidad y la ansiedad que rodean el proceso de creative. Esta pieza también trata de mi viaje para encontrar un equilibrio en esta lucha interna de seguir mi intuición con esta presión externa de sentir que necesito validarme como compositor. [Cuando la escribí, acababa de mudarme de Puerto Rico, donde nací y crecí, a Nueva York, y como compositora latina, navegando por nuevos espacios que históricamente han excluido a personas que se parecen a mí, de alguna manera sentí la necesidad de validar mi presencia en estos nuevos espacios. Eso es algo que ya no siento, por suerte, pero lo sentí muy real en aquel momento.

"La pieza tiene cuatro secciones principales que se ven constantemente interrumpidas por nuevas ideas, y estas nuevas ideas se transforman y también se solapan con las cuatro secciones principales de la pieza. El final de la pieza está un poco en el aire, sosteniendo la idea de que no hay una conclusión o respuesta definitiva, sólo este inevitable empuje de seguir adelante".-Angélica Negrón (transcrito de una introducción grabada en vídeo al estreno canadiense de 2020, interpretado por la Orquesta del Centro Nacional de las Artes y dirigido por Alexander Shelley)

Tras abandonar su native Rusia durante la Revolución de 1917, Sergei Rachmaninoff inició una lucrativa carrera como concertista trotamundos. En la década de 1920, el virtuoso compositor firmó un contrato de grabación con el sello Victor y publicó interpretaciones de sus propias composiciones originales. En la década de 1930, compró un refugio a orillas de un lago en las afueras de Lucerna (Suiza), donde podía componer en paz. Llamó a la villa Senar, un acrónimo derivado de su nombre y el de su esposa Natalia. Entre el 3 de julio y el 18 de agosto de 1934, mientras estaba instalado en Senar, compuso Rapsodia sobre un tema de PaganiniOp. 43, con la intención de utilizarla como material para su próxima gira de conciertos por Estados Unidos. El estreno tuvo lugar en Baltimore, el 7 de noviembre de 1934, con Rachmaninoff al piano y Leopold Stokowski al frente de la Orquesta de Filadelfia.

Deslumbramiento y perdición

Rapsodia sobre un tema de Paganini es una versión rusa del riff más famoso del violinista y compositor Niccolò Paganini. Entre otros actos escandalosos, el infame virtuoso italiano supuestamente vendió su alma al diablo a cambio de unas habilidades musicales sobrehumanas. (Muchos años después, la leyenda del blues del Delta, Robert Johnson, inspiró rumores similares). Paganini fue el primer virtuoso romántico, y posiblemente también la primera estrella del rock. Su teatro melancólico, vestido de negro, y sus temibles habilidades técnicas influyeron en Franz Liszt y en otras generaciones de subversivos artistas.

Compuesto para piano solo y orquesta, Rapsodia sobre un tema de Paganini se asemeja a un concierto para piano en muchos aspectos, aunque técnicamente es una obra de tema y variación. En una apreciación de 2013 publicada en The Guardian, el pianista Stephen Hough la calificó de "milagro formal: un conjunto de 24 variaciones unidas como si se tratara de un mini concierto para piano, pero con el desenvolvimiento despreocupado de una rapsodia". La música se basa en el 24º Capricho de Paganini para violín sin acompañamiento, una pieza que ya había dado lugar a variaciones de otros grandes compositores, como Liszt, Robert Schumann y Johannes Brahms.

De forma algo contraintuitiva, Rachmaninoff no enuncia el tema de Paganini directamente hasta después de la introducción y la primera variación: es un esbozo al principio, reconocible sólo a posteriori. En las variaciones 7, 10 y 24, Rachmaninoff cita el tema del Dies irae (Día de la Ira), de la Misa de Difuntos en latín, un posible guiño al personaje escénico protogótico de Paganini. Desde el punto de vista estructural, el Dies irae unifica las variaciones, situándolas en un territorio musical que Rachmaninoff ya había explorado en su poema tonal de 1909 La isla de los muertos. En 1940, cuando escribió su Danzas sinfónicas, citando al Dies irae se había convertido en su firma.

Aunque el Rapsodia se interpreta sin pausa, puede percibirse en tres secciones, que corresponden a los tres movimientos de un concierto: un primer movimiento animado, compuesto por las Variaciones 1 a 10; un movimiento lento (Variaciones 11-18); y un alegre final (Variaciones 19-24). Todas las variaciones están en la menor, excepto las 12 y 13 (re menor); 14 y 15 (fa mayor); 16 y 17 (si bemol menor); y la variación 18 (re bemol mayor), fluida, cantarina e instantáneamente reconocible, que invierte ingeniosamente el tema de Paganini.

En 1914, cuando empezó a escribir Los Planetas, Gustav Holst tenía casi 40 años y era prácticamente desconocido. El tímido y severamente miope compositor había pasado los últimos nueve años dirigiendo el departamento de música del St. Paul's Girls' School, en Hammersmith, al oeste de Londres. Su oscuridad terminó repentinamente en 1918, cuando Adrian Boult dirigió a la Queen's Hall Orchestra en el estreno de esta suite sinfónica de siete movimientos. Casi de la noche a la mañana, Holst se convirtió en una celebridad, una condición que nunca le convino. "Si a nadie le gusta tu obra", comentó en una ocasión, "tienes que seguir adelante sólo por la obra, y no corres el peligro de que el público te haga repetirte". Pero Holst consiguió resistir la atracción de la demanda popular. Permaneció en St. Paul's durante el resto de su vida, y nunca volvió a tratar el tema de los planetas, ni siquiera después del descubrimiento de Plutón en 1930. (Probablemente sea mejor así, dado su descenso a planeta enano en 2006).

Holst tenía muchos intereses esotéricos, que dieron forma a su lenguaje musical, o viceversa. "Por regla general", señaló, "sólo estudio cosas que me sugieren música". Los Planetas, su composición más conocida, es un ejemplo de ello. Llevaba años fascinado por la astrología. En el verano de 1913, durante una excursión por España, su amigo Clifford Bax le sugirió que escribiera una pieza orquestal a gran escala basada no en las características astronómicas de los planetas, sino en sus asociaciones astrológicas y mitológicas.

La suite consta de siete movimientos porque Holst no incluyó la Tierra, y Plutón aún no había sido descubierto. Pero a Holst no le importaba la ciencia más reciente, al menos en lo que respecta a su suite musical. Dispuso los movimientos según criterios musicales, no de proximidad orbital. No necesitaba nombrar un movimiento con el nombre de la Tierra porque la Tierra está en todas partes en esta suite. Estos planetas nos reflejan: nuestros signos estelares, nuestros representantes.

Una escucha más atenta

La suite se abre con "Mars, the Bringer of War", una castigadora cuasi-marcha en compás de 5/4 que John Williams citó famosamente en "The Imperial March" de El Imperio Contraataca. En sus indicaciones, Holst recomendó que "Marte" se tocara ligeramente más rápido que una marcha normal para resaltar sus aspectos mecanizados e inhumanos. Porque Los planetas se interpretó por primera vez durante la Primera Guerra Mundial, muchos oyentes suponen que el primer movimiento fue una respuesta a los horrores que se estaban produciendo en Europa. Sin embargo, Holst lo completó semanas antes del asesinato del archiduque austriaco Francisco Fernando. "Marte" mezcla ritmos brutales y efectos espeluznantes, como col legno El arco, en el que los instrumentistas de cuerda utilizan el lado de madera de sus arcos en lugar del habitual lado de pelo.

A continuación, un poco de calma contrastada, ya que "Venus, la Portadora de la Paz" envuelve delicados glissandi de arpa y vientos pastorales sobre un brillante tema de trompa. "Mercurio, el mensajero alado" relampaguea como el azogue. Jupiter, the Bringer of Jollity", de inspiración folclórica, cuenta con un pasaje central que parece un himno y que Holst tarareó más tarde con el poema de Cecil Spring-Rice "I Vow to Thee My Country", creando un himno inglés instantáneo. Al describir el movimiento en su conjunto, Holst escribió: "Júpiter trae la alegría en el sentido ordinario, y también en el tipo más ceremonial de regocijo asociado con las religiones o las festividades nacionales".

"Saturno, el portador de la vejez" (el favorito de Holst) está lleno de disonancias y campanas. "Urano, el mago" representa la brujería musical, cambiando los temas en nuevas formas. Por último, "Neptune, the Mystic" recuerda a un Debussy inglés en el espacio exterior, con un coro femenino sin palabras que actúa como sirenas interplanetarias.