Incluso en nuestros tiempos hiperpolarizados, la obra de Ludwig van Beethoven La Sinfonía nº 9 se siente como una fuerza unificadora en todo el mundo, un bien común cultural. El cuarto movimiento del coro de un poema de Friedrich Schiller, la humildísima "Oda a La melodía "Joy" ha sido reciclada innumerables veces a lo largo de la años. Es el himno oficial de la Unión Europea. Es aparece en las bandas sonoras de las películas y en los anuncios de televisión, y las grandes multitudes se lo cantan antes de los eventos deportivos. Sin El inmortal gusano del oído de Beethoven, los juerguistas de Japón a Alemania no sabría cómo dar la bienvenida al Año Nuevo.

Pero el precio de la ubicuidad es muy alto. Los monumentos quedan enterrados bajo capas de suciedad interpretativa. Algo que significa tanto muchas cosas: la diplomacia internacional, los valores de la Ilustración, producto de queso pasteurizado-verifica la falta de sentido, convirtiéndose en un significante vacío, una metáfora muerta.

Para Beethoven, que redactó, revisó y perfeccionó su último sinfonía durante más de 30 años, el significado era urgente, inmediato, vital. Quería que su música representara un viaje de transformación, explorando temas de lucha y salvación, comunidad y compasión. Aunque no era religioso en el sentido convencional, encontró sustento espiritual en su arte. En una carta de 1821, unos años antes de completar la Novena Sinfonía, explicó a su alumno y mecenas, el Arzobispo Rudolph, lo que significaba para él componer música: "No hay nada más elevado que acercarse a la Divinidad más cerca que el resto de los mortales y por medio de ese contacto a difundir los rayos de la divinidad a través de la raza humana".

Casi 200 años después, Bruce Adolphe refracta algunas de esos rayos de la divinidad beethoveniana en su respuesta orquestal a la Sinfonía "Coral". Una co-comisión del Dallas ¡Orquesta Sinfónica y Bravo! Vail, Este es el camino del mundo. ¡Welt! revisa el mundo sonoro de Beethoven mientras subraya su eterna relevancia. El maestro Luisi dirigió la DSO en el mundo ¡estreno en el festival Bravo! Vail el pasado mes de julio.

PRIMERA ACTUACIÓN: 7 de mayo de 1824 - Viena
ÚLTIMA ACTUACIÓN DE LA DSO: 26 de mayo de 2018;
Jaap van Zweden dirigiendo

"Ten siempre presente el conjunto", le gustaba decir a Beethoven, un máxima que ejemplifica la Novena. Todo conduce inexorablemente hasta el final, la apoteosis de la "An die Freude" (Oda a Alegría) motivo. Era un adolescente cuando declaró por primera vez su intención de poner música a "An die Freude" de Friedrich Schiller, en los embriagadores días de la Aufklärung (Ilustración). En el décadas que transcurrieron antes de que se completara la partitura, vio los ideales de la Revolución Francesa pisoteados por los represores regímenes. Resucitar el himno humanista de Schiller fue una acto subversivo en 1824, cuando los austriacos podían ser arrestados por decir la palabra "libertad" o reunirse en grupos de más que unas pocas personas sin relación. Porque Beethoven quería que su final coral pareciera el resultado inevitable de los tres movimientos anteriores, necesitaba tener presente su motivo fundacional desde el principio. Escribió los primeros ocho compases del Freude sintonizar bastante rápido, pero pasó por docenas de borradores antes de ...y se ha encontrado una manera de terminarlo. La simplicidad es difícil.

Una escucha más atenta

Marcado Allegro ma non troppo, un poco maestoso (Alegre pero no excesivamente y ligeramente majestuoso), el primer movimiento comienza con una quinta abierta descarnada y trémolos disonantes. En de este vacío surge la primera y débil señal de la Freude tema, invertido aquí como tres notas descendentes. Al igual que el universo surgió de la nada, el tema parece surgen, a trompicones, de un abismo que se abre. En el compás de 2/4, el Allegro inicial se desarrolla en el complejo y a menudo inesperado maneras. Dos claves se yuxtaponen dramáticamente: Re menor (el la clave de origen, o tónica) y Si bemol Mayor. A lo largo de toda la obra tenemos breves destellos de Re Mayor, presagiando el eufórico final.

El segundo movimiento, un scherzo con elementos fugales y de forma sonata, también está en la tonalidad de origen, al menos nominalmente. Marcado como "molto vivace", combina una apertura anárquica (¡fíjate en los timbales que suben como el demonio!) y un interludio central pastoral, en el que la tonalidad cambia a re mayor y la métrica triple pasa a ser dúplice. Las primeras notas del Freude El tema vuelve, pero con un ritmo diferente: otro anticipo subliminal de futuros placeres.

Desde el punto de vista estructural, el deslumbrante movimiento lento es una adaptación libre de una forma de tema y variaciones. Beethoven lo marcó como Adagio molto e cantabile, o "muy lento y cantado", y la indicación nos recuerda por qué el Coro ha estado ahí pacientemente todo este tiempo, esperando a soltar la parte que tararearemos al salir del Meyerson, y posiblemente durante semanas después. Pero Beethoven era el maestro de la gratificación diferida. No importan esos breves reproches de los metales: en este paraíso de cuerdas silenciosas y vientos suaves, las melodías perduran, suspendidas en la felicidad.

La elección de la tonalidad -bemol mayor- supone una ruptura con el tumulto tonal, el caos de tonalidades menores de los movimientos anteriores. "La melodía", explicaba Beethoven en una carta, "debe tener siempre prioridad sobre todo lo demás". Sus cuadernos de bocetos sugieren que trabajó intensamente en el Adagio en 1823, elaborando el primer tema en varias etapas; su tema secundario, en compás de 3/4, le llegó más o menos intacto.

Incluso cuando sabemos lo que viene, los primeros momentos del final son una sacudida visceral. Richard Wagner la llamó "fanfarria del terror", el biógrafo de Beethoven Jan Swafford la llama "explosión de furia", y no importa cómo la llames, te estremecerás cuando te golpee a todo volumen. Se supone que tiene que doler un poco: una bofetada vigorizante para despertarte para la Gran Revelación, cuando el tema estalla en un torrente de variaciones delirantes. Nunca la transición de menor a mayor se ha sentido más satisfactoria, más esencial. Para los oyentes, el éxtasis no hace más que aumentar, pero para los cantantes el final es francamente aterrador, una tesitura brutal que exige notas imposiblemente altas que deben mantenerse durante un tiempo imposible.

En cuanto al resto, dejemos de lado la habitual palabrería sobre el amor universal y la hermandad del hombre, esas frases altisonantes de las que hablamos pero que no llegamos a entender, y mucho menos a demostrar. Algunos aguafiestas argumentan que la Novena está sobreprogramada y que ya estamos insensibilizados, pero si saber cada nota de memoria fuera un obstáculo, los fans de los Beatles no existirían. No es la música, sino los significados de los que estamos hartos, todo ese aburrido bla-bla-bla.

"Todo arte aspira constantemente a la condición de música", observó célebremente Walter Pater, y la máxima resuena porque parece cierta. Entonces, ¿por qué esperamos que la música haga aún más? Queremos que nos cuente una historia sobre nosotros mismos, pero la música cuenta sus propias historias, en su propio lenguaje. Si no es la Divinidad, se acerca bastante.