El compositor dublinés Donnacha (DON-uh-kuh) La ecléctica obra de Dennehy incluye piezas orquestales a gran escala, tres óperas y una "docu-cantata", música electrónica y composiciones para instrumentos solistas y conjuntos de cámara. Su peculiar estilo refleja una amplia gama de influencias, desde el minimalismo hasta el canto tradicional irlandés sean-nós ("estilo antiguo"). En 1997 fundó el Crash Ensemble, uno de los principales exponentes de la música nueva y experimental en Irlanda. Ha realizado encargos del Kronos Quartet, Dawn Upshaw, Augustin Hadelich, Alarm Will Sound, Bang on a Can, la Irish National Opera, la Orquesta de Cámara de Saint Paul, la Filarmónica de Los Ángeles y el Opera Theatre of St. Louis, entre otros muchos, y su música se interpreta en las principales salas y festivales de todo el mundo. Hay grabaciones de sus composiciones en los sellos Nonesuch, NMC Recordings, Bedroom Community y Cantaloupe Music.

Dennehy fue compositor residente de la Forth Worth Symphony Orchestra entre 2013 y 2014. Antiguo profesor titular del Trinity College de Dublín, se incorporó a la facultad de música de la Universidad de Princeton en 2014 y actualmente vive en Estados Unidos. En 2021 recibió una beca Guggenheim.

Escribió Memoria en 2021. Jessica Cottis dirigió la Orquesta Sinfónica de la RTE en el estreno mundial, que tuvo lugar el 4 de febrero de 2022 en el National Concert Hall de Dublín. Esta es su primera representación en los Estados Unidos.

Habla el compositor
"Memoriaes una pieza inspirada en la forma en que las personas (o nuestras invenciones de esas personas) viven vívidamente en nuestras mentes, incluso cuando ya no están en la vida real. Nunca he sentido esto con más fuerza que en los dos últimos años, en los que más que nunca hemos sido conscientes de la fragilidad, el valor y la precariedad de la propia vida. Este año he perdido a dos mentores que tuvieron una importancia inmensa para mí: Louis Andriessen y Hormoz Farhat. Memoria tiene una trayectoria que va desde lo etéreo y elusivo hasta lo firmemente presente. Se basa en algunos materiales de mi ópera El primer hijo que se basaba en una melodía disfrazada. En Memoria, Sin embargo, la melodía disfrazada se revela gradualmente, apareciendo finalmente en su totalidad en estremecedores jadeos. Está dedicado a la memoria de Hormoz Farhat, mi profesor de composición en el Trinity de Dublín, y más tarde mi amigo, alguien que tuvo un impacto notable en el curso de mi vida". - Donnacha Dennehy

Rapsodia espagnole es tan rica en sonidos de España que nunca se adivinaría que su creador francés conoció el país casi exclusivamente a través de su madre vasca. Como escribió el compositor español Manuel de Falla: "¡Cómo iba a explicar la sutilmente genuina españolidad de Ravel, sabiendo, porque él me lo había dicho, que el único vínculo que tenía con mi país era haber nacido cerca de la frontera!"

Aunque su familia se trasladó de los Pirineos franceses a París cuando Ravel era aún un niño, conservó toda la vida la nostalgia por la música de España. Rapsodie espagnole, compuesta entre 1907 y 1908, es una de sus primeras obras importantes para orquesta. A sus 30 años, y graduado en el Conservatorio de París, ya había producido una serie de impresionantes obras de cámara, así como el opulento ciclo de canciones para orquesta Shéhérazade. (Uno de los movimientos en Rapsodia espagnole, un Habanero, es una versión orquestada de una obra de 1895 para dos pianos, que no publicó hasta 1907). Su meticulosa atención a la orquestación es evidente en los cuatro movimientos de Rapsodie espagnole, que incorporan castañuelas y pandereta de influencia española, vientos bajos sombríos, metales apagados y otros colores instrumentales seductores.

Una escucha más atenta

El primer movimiento, "Preludio a la noche", está impregnado del brillo plateado de un amanecer ibérico. Un breve motivo descendente se repite hipnóticamente hasta que los clarinetes y los fagotes irrumpen con cadencias finales. Malagueñas", que toma el nombre de un baile flamenco regional, es una miniatura animada y armónicamente ambigua, con contrabajos en pizzicato y violonchelos rasgados que sustituyen a la guitarra más tradicional. Un sorprendente y lánguido solo de corno inglés cierra el movimiento.

La indicación de tempo de Ravel para el siguiente movimiento, el ya mencionado "Habanero", es "Más bien lento, y con un ritmo cansino". A pesar de llevar el nombre de un seductor baile cubano, se cree que este "Habanero" está basado en una canción que le enseñó la madre de Ravel. En el manuscrito de la versión para dos pianos, el compositor añadió una línea de Baudelaire: "En la tierra perfumada que el sol acaricia".

El nostálgico corno inglés regresa en el final, que por lo demás es lujurioso y festivo, en consonancia con su título, "Feria".

Nacido y criado cerca de Melbourne, Australia, Grainger fue educado en casa por su madre, Rose Aldridge Grainger. Autodidacta en gran medida, Rose era inteligente y disciplinada, y una estricta disciplinadora. (Sus duros castigos pueden haber provocado la posterior obsesión del compositor por la flagelación). Con mano de hierro y un pequeño equipo de tutores, dirigió la educación de su único hijo, impartiendo su amor por la música, el arte visual y la literatura nórdica. En 1893, el niño de 11 años escribió su primera composición original conocida para piano: "Un regalo de cumpleaños para mamá".

Grainger, un prodigio del piano, debutó en público en Melbourne cuando tenía 12 años. A partir de los 13 años, asistió al Conservatorio Hoch de Frankfurt (Alemania) durante seis años. La siempre leal Rose le siguió allí, trabajando como profesora de inglés para complementar el pequeño estipendio que recibía de su distanciado marido, el padre de Percy. Cuando Grainger se graduó, él y Rose vivieron en Londres, donde el atractivo aspecto del joven, su magnetismo personal y su agresivo virtuosismo le valieron muchas admiradoras adineradas y con buenos contactos. Incluso conoció a la Reina.

Al estallar la Primera Guerra Mundial, Grainger abandonó finalmente Rose y se trasladó a Estados Unidos. Sirvió como músico en el ejército estadounidense de 1917 a 1919, y se convirtió en ciudadano estadounidense en 1918. Nunca regresó a Australia.

En 1922 Rose se suicidó, y Grainger, desconsolado, pasó varios años viajando por el mundo. Tras casarse en 1928, se instaló en el condado de Westchester, Nueva York, donde enseñó, compuso, dio conferencias y, ocasionalmente, ofreció recitales. Legendario por su técnica atlética y sus extraños hábitos, a Grainger le gustaba saltar sobre su piano en lugar de simplemente caminar alrededor de él. Entre otras muchas excentricidades, prefería llegar a pie a los pueblos y ciudades donde tenía previsto actuar.

La mala salud y el deterioro cognitivo empañaron sus últimos años. Al final, Grainger decidió que era un fracaso. Sin embargo, no se rindió del todo: dio su último concierto en 1960, menos de un año antes de su muerte a los 78 años. Aunque legó su esqueleto al Museo Grainger, los conservadores optaron por dejar sus restos en el panteón familiar, junto a las cenizas de su madre.

Pastoral, en pocas palabras

Estructurado en cuatro movimientos, o secciones, En pocas palabras tarda unos 20 minutos en interpretarse. En 1916, Grainger dirigió el estreno de la versión orquestal, que tuvo lugar en el Festival de Música de Norfolk, Connecticut. El público respondió con entusiasmo, sin dejarse intimidar por el lenguaje armónico intransigente de la suite, la instrumentación esotérica y los atrevidos adornos de jazz. Aunque Grainger también publicó arreglos para piano solo y piano a cuatro manos, la partitura orquestal original fue designada para orquesta, piano e instrumentos de percusión Deagan.

Gracias a su amistad y asociación creative con la familia Deagan de Chicago, que diseñó y fabricó una línea de instrumentos de percusión con mazo, Grainger tuvo acceso a un tesoro de lo que él llamaba "percusión afinada". Para En pocas palabrasEn el año 2000, utilizó las "campanas de báculo suizas" diseñadas por Grainger y construidas por Deagan, que consistían en un bastidor de hasta cuatro octavas de campanas suizas colgadas en una configuración de teclado y golpeadas con mazos. Los otros tres instrumentos de percusión hechos a medida son la marimba o marimbáfono de acero de Deagan (o Resonáfono de Hawkes); el marimbáfono o marimba-xilófono de madera de Deagan; y la nabimba de Deagan. Debido a la escasez de estos instrumentos en la actualidad, la mayoría de los directores los sustituyen por instrumentos de percusión de mayor disponibilidad.

La Pastoral es el tercer movimiento, y el más largo, de la suite. Grainger escribió uno de los temas en 1907, en Surrey, Inglaterra, y toda la música restante en 1915-16, mientras vivía en la ciudad de Nueva York; Ypsilanti, Michigan; y Rochester, Nueva York.

La Pastoral se abre con un solo de oboe lírico -de hecho, pastoral-, pero pronto la música se oscurece y se vuelve más densa, desbastando las texturas impresionistas con armonías astringentes y combinaciones tímbricas inusuales. A pesar de la costumbre de Grainger de escribir largas notas de programa para cada una de sus composiciones, parece que decidió dejar que la Pastoral hablara por sí misma.

Mussorgsky sometió sus partituras a extensas revisiones y, tras su prematura muerte, su amigo Nikolay Rimsky-Korsakov consideró oportuno revisarlas aún más. Ambos eran miembros de "Los Cinco", también conocidos como "Mighty Handful", un colectivo informal de compositores con ideas afines que estuvieron activos en San Petersburgo desde mediados de la década de 1860 hasta principios de la de 1880. En 1922, la obra más famosa de Mussorgsky, Cuadros en una exposición, se ha convertido en un elemento más de la orquestación de Maurice Ravel.

Alcohólico que murió a los 42 años, Mussorgsky publicó muy poco: sólo algunas canciones y la partitura vocal de la ópera Boris Godunov. Si no fuera por su colega y antiguo compañero de habitación Rimsky-Korsakov, que "corrigió" su obra antes de su publicación póstuma, Mussorgsky podría haberse desvanecido en la oscuridad.

Su obra más famosa, Cuadros en una exposición, probablemente nunca se interpretó en público durante su vida. Maurice Ravel, cuya orquestación se utiliza para esta interpretación, trabajó a partir de la versión muy revisada de Rimsky-Korsakov y ni siquiera vio la partitura original. No se trata de una colaboración: las colaboraciones implican consentimiento, y tanto Mussorgsky como Rimsky llevaban años muertos..

Mussorgsky compuso la suite original para piano en junio de 1874 como homenaje a un amigo, el pintor Victor Hartmann, que había muerto inesperadamente el año anterior. De los cientos de obras que había visto en una reciente exposición conmemorativa, Mussorgsky se centró en 10 lienzos: acuarelas extravagantes, garabatos elaborados, vistas exóticas. Trabajó con rapidez y seguridad. "Las ideas y las melodías vienen a mí por sí solas", se jactaba en una carta. "Apenas consigo plasmarlo todo en el papel con la suficiente rapidez".

Visita a la galería

Para conectar los movimientos inspirados en cada obra de arte, Mussorgsky utilizó un tema introductorio titulado "Promenade". En palabras del compositor, el tema encuentra al espectador "recorriendo la exposición -ahora con calma, ahora con rapidez- para acercarse a un cuadro que ha atraído su atención". El tema "Promenade", inicialmente interpretado por las trompetas, evoluciona a lo largo de la suite, indicando sutiles cambios de humor.

El ciclo es rico en contrastes y colores. "Gnomus", el primer movimiento, es un batiburrillo de saltos erráticos y armonías extrañas. "El viejo castillo", basado en dos bocetos de castillos medievales franceses, presenta una de las innovaciones más brillantes de Ravel: un saxofón alto, que lleva la melodía principal de inspiración folclórica rusa. (Aunque fue patentado en 1846, el saxofón era todavía una novedad en 1922, cuando Ravel completó su orquestación). "Tuileries", de tono ligero y animado, celebra el encantador alboroto de los niños que retozan en un jardín francés formal.

"Bydlo" avanza en un carro tirado por bueyes. El cacareado y escurridizo "Ballet de pollitos en sus cáscaras" se inspiró en el boceto de Hartmann de una joven bailarina con un traje de canario sujetando un escudo de cáscara de huevo. "Samuel Goldenberg y Schmuyle" desata tartamudeos de decimosextas notas de una trompeta apagada. "El mercado de Limoges muestra el parloteo de las mujeres francesas y el alegre clamor de la vida del pueblo. En "Catacumbas", el tema del paseo marítimo reaparece, sombrío y disonante. "La cabaña de las patas de gallo" es un relato frenético de un famoso cuento popular ruso. Finalmente, en "La gran puerta de Kiev", el tema del paseo marítimo encuentra su apoteosis brillante, mientras las campanas de Ravel, los platillos que chocan y el tam-tam jubiloso impulsan la suite hacia su conclusión eufórica.