Casi inmediatamente después de completar sus estudios en el Conservatorio de San Francisco, la Manhattan School of Music y la Universidad de Yale, Kernis se posicionó como un compositor a tener en cuenta. Su composición de 1983 Sueño del cielo de la mañana obtuvo una gran acogida por parte de la crítica, además de las inevitables comparaciones con Aaron Copland. En 1993, Kernis fue nombrado compositor residente de la Orquesta de Cámara de San Pablo. Paul. Cinco años más tarde ganó el Premio Pulitzer por su Cuarteto de cuerda nº 2.

Incorporando un amplio abanico de influencias -desde el barroco hasta el blues- Kernis reúne formas tradicionales de manera poco convencional. Ha organizado Música celeste para orquesta de cuerda, basando la composición en el segundo movimiento de su Cuarteto de cuerda nº 1 (1990). Música celeste fue estrenada el 30 de marzo de 1992 por la Sinfonia San Francisco, dirigida por Ransom Wilson. Treinta años después, Música celeste es un concierto muy apreciado en las salas de todo el mundo.

Habla el compositor

"Musica celestis se inspira en la concepción medieval de esa frase que se refiere al canto de los ángeles en el cielo en alabanza a Dios sin fin. El oficio de cantar agrada a Dios si se realiza con una mente atenta, cuando de esta manera imitamos a los coros de ángeles de los que se dice que cantan sin cesar las alabanzas del Señor". (Aureliano de Réöme, traducido por Barbara Newman) No creo especialmente en los ángeles, pero me parece una imagen potente que se ha visto reforzada por la escucha de buena parte de la música medieval, especialmente la obra de Hildegarda de Bingen (1098-1179). Este movimiento sigue una melodía sencilla y espaciosa y un patrón armónico a través de una serie de variaciones (como una passacaglia) y modulaciones, y está enmarcado por una introducción y una coda". -Aaron Jay Kernis

Prokofiev Romeo y Julieta-un ballet en cuatro actos convertido en suite de concierto- es tan singular y extraña como la obra de Shakespeare que la inspiró. Salvaje y sensual, trágica y cómica, la vívida partitura de Prokofiev transmite la fuerza emocional de su material fuente sin sacrificar los matices y la ambigüedad, las ricas contradicciones que impulsan cada línea.

Los muertos que bailan

La composición de Romeo y Julieta es una saga casi tan estelar como la de los amantes adolescentes del mismo nombre. Prokofiev tuvo la idea de componer un ballet basado en la famosa tragedia de Shakespeare gracias a Sergei Radlov, director del Teatro Académico Estatal de Ópera y Ballet de Leningrado (antes conocido como Teatro Mariinsky y más tarde rebautizado como Kirov). Radlov le ayudó a desarrollar el escenario a principios de 1935. Después de que el proyecto fuera rechazado por la compañía de Leningrado, Prokofiev lo llevó al Teatro Bolshoi, en Moscú. Escribió toda la música ese verano, en un arranque de hiperproductividad, pero surgieron complicaciones. Como explicó en una reseña biográfica de 1946, "el Bolshoi la declaró imposible de bailar".

Aunque ya se le había convencido de que sustituyera el final trágico de Shakespeare por uno feliz - "los vivos pueden bailar, pero los muertos no pueden bailar tumbados", observó el compositor con sorna-, el contrato se rompió. Prokofiev restableció el final infeliz y reescribió la música en consecuencia, pero el Bolshoi se opuso de nuevo. El ballet no se representó hasta 1938, cuando la Ópera de Brno lo estrenó en Checoslovaquia.

Prokofiev no estaba presente. Para entonces, las autoridades soviéticas habían enviado a su primera esposa al Gulag y confiscado su pasaporte. El desafortunado funcionario que encargó Romeo y Julieta fue ejecutado, junto con el que había sancionado el final feliz original de Prokofiev. Si el compositor aún se hacía ilusiones sobre el gobierno estalinista que había abrazado de buen grado apenas dos años antes, cuando hizo su regreso de hijo pródigo a la añorada patria, los acontecimientos recientes deben haberle desengañado de ellas.

A pesar de todos estos obstáculos y contratiempos, Prokofiev, siempre pragmático, extrajo de su partitura tres suites orquestales y diez obras para piano. En enero de 1937 dirigió a la Sinfónica de Chicago en selecciones del ballet aún no representado. Cuando el ballet se estrenó en Rusia, en 1940, la música ya era un éxito. A pesar de los interminables problemas de los bailarines con sus complicados ritmos y los habituales problemas de producción, Romeo y Julieta fue un éxito comercial y de crítica.

Nota sobre la partitura

En lugar de utilizar una de las tres suites orquestales publicadas de Prokofiev, muchos directores -incluida Gemma New- prefieren montar sus propias versiones de la suite a partir de los 52 números que componen la partitura completa del ballet. Las selecciones de New capturan el magistral pictoricismo y la opulenta orquestación de la partitura de Prokofiev, al tiempo que se mantienen fieles a la trayectoria emocional del ballet.

Una escucha más atenta

"Los Montescos y los Capuletos" se abre con dos contundentes edictos de los metales y los vientos, que representan la autoridad del Duque de Verona. De inmediato, Prokofiev establece el conflicto dramático entre las dos familias rivales. Frente a la altanería de los cortesanos en disputa, un suave interludio representa brevemente a la joven heroína pensativa con un exquisito dúo entre la primera y la segunda flauta.

La caracterización se profundiza en "La niña Julieta", que alterna los vuelos juguetones y saltarines de la fantasía de la voz de la flauta con un lirismo más femenino, delimitado por las cuerdas. "Máscaras", ambientada en el fatídico baile de disfraces de los Capuleto, hace gala de una gran variedad rítmica, junto con sutiles cambios de humor y de tono cuando los partisanos disfrazados de los Montesco se cuelan en territorio enemigo, y Romeo y Julieta transgreden al enamorarse.

La famosa "escena del balcón" de Shakespeare se desarrolla en "Romeo y Julieta". Con los violines apagados y el arpa, Romeo, cuyos versos son cantados por las cuerdas, y Julieta, representada una vez más por la flauta, se enzarzan en bromas coquetas, enamorándose aún más con cada juego de palabras, ocurrencia y doble sentido.

"La muerte de Tybalt" representa los brutales rituales de la venganza y sus consecuencias. Aquí, en un intercambio de golpes de percusión viciosos y bandazos disonantes, Romeo mata al hermano de Julieta para vengar el asesinato de su mejor amigo. Romeo es condenado al exilio mientras el cuerpo de Tybalt es llevado solemnemente. Unos timbales ominosos marcan el cortejo fúnebre.

En el clímax "Romeo y Julieta antes de separarse", los amantes consuman su matrimonio secreto -sugerido discretamente por una tierna melodía de flauta- y se separan a regañadientes. En el lento y desgarrador número final, "La muerte de Julieta", Prokofiev transmite tanto la angustia como el absurdo del destino compartido por los amantes. Cita el número anterior "La niña Julieta" como recordatorio de todo el potencial perdido, la abundante alegría y el amor, que su suicidio desperdiciará. La música se apaga cuando ella deja de respirar.