Jani, compositora residente de la Sinfónica de Dallas, comenzó su formación clásica en piano y violín de niña. Empezó a interesarse por la composición al final de la adolescencia y, tras terminar el bachillerato, estudió música en el Conservatorio Jacques Thibaud de Burdeos (Francia). Aunque empezó la universidad como economista, se dio cuenta de que su verdadera pasión era la música y se licenció en la Universidad de Augsburgo, la Universidad de Música y Artes Escénicas de Múnich y la Escuela de Música de la Universidad de Yale, donde obtuvo una beca Fulbright.

Las composiciones de Jani han sido interpretadas por la Sinfónica de Nueva Jersey, la Sinfónica de Múnich, el conjunto Bang on a Can, el Cuarteto Goldmund y el sexteto vocal Sjaella, así como por la Sinfónica de Dallas, que estrenó su poema sinfónico de 10 minutos de duración. Antorcha la temporada pasada.

Jani fue la Artista Musical en Residencia 2023 del Arvo Pärt Center y becaria de la APC Residency Fellowship. Su primera grabación data de 2022, La música como espejo, con sus obras de cámara, fue nominado para el principal premio alemán de música clásica, el Opus Klassik. Su segundo álbum, Seis piezas para violín soloestá disponible en Squama Recordings.

Cuando no está escribiendo música, Jani es una de las fundadoras y directoras artísticas de Feet Become Ears, una iniciativaative que encarga, presenta y promueve la música de cámara contemporánea.

Habla el compositor

"Escribí Te deseo margaritas y rosas en un momento muy especial de mi vida, ya que fue la primera composición en la que trabajé tras el nacimiento de mi hijo Aaron. Lo que realmente me conmovió en esos primeros meses como madre primeriza fue la sensación de ese amor inconmensurable e infinito que sientes como padre y lo mucho y de todo corazón que le deseas a tu hijo lo mejor para su futuro. Empecé a escribir esta obra a partir de esa energía, y creo que me guió durante todo el proceso.

"En el lenguaje floral del siglo XIX, las margaritas representan la salud y la felicidad y la alegría de las cosas sencillas, mientras que las rosas significan todo tipo de cosas dependiendo del color, pero generalmente representan las cosas más finas y nobles y clásicamente, como todo el mundo sabe, simbolizan el amor eterno". Nunca se me ocurriría un título que enumerara todo lo que deseo para mi hijo en su vida, por supuesto, pero salud, felicidad y amor son probablemente una buena opción para empezar esta lista y espero que capten la idea de dónde viene esta música.

"Mientras trabajaba en esta composición, me preguntaba cuántas veces en la historia una compositora ha sido capaz de plasmar algo tan crucial como el primer año con su hijo y los sentimientos asociados a él en una obra tan expuesta para gran orquesta. La historia de la música está llena de grandes emociones existenciales, pero el complejo mundo emocional que conllevan los primeros meses de maternidad rara vez o nunca se ha explorado en una obra orquestal, y mucho menos desde una perspectiva femenina. Aunque eché de menos a mi hijo cada segundo que estuve lejos de él mientras trabajaba en esta música, me doy cuenta de que esta pieza probablemente forme parte de algo más grande, porque es una gran prueba de que han cambiado muchas cosas en el campo de la música clásica en las últimas décadas.

"Creo que Te deseo margaritas y rosas es una de las composiciones más intuitivas que he escrito hasta ahora. Me he sorprendido a mí misma en muchos sentidos, y estoy orgullosa y agradecida de poder hacerle a mi hijo un regalo tan único por su primer cumpleaños." -Sophia Jani

Rachmaninoff terminó su Concierto para piano nº 3 en re menor en Rusia y lo estrenó en Nueva York. Privado de un piano durante el largo viaje en barco, el compositor practicó con un teclado especial de madera, con sus largos dedos bailando en un silencioso desenfoque. En casa o en el mar, apenas importaba. "Mi música es el producto de mi temperamento, y así es la música rusa", declaró.

Comenzó el concierto en el verano de 1909, en la finca de su familia, Ivanovka. Lo terminó en septiembre, poco antes de partir para una gira de conciertos por Estados Unidos. "No está tomada ni de las formas de las canciones populares ni de los servicios religiosos", explicó más tarde. "Simplemente 'se escribió sola'. Si tenía algún plan al componer este tema, sólo pensaba en el sonido. Quería 'cantar' la melodía en el piano, como la cantaría un cantante, y encontrar un acompañamiento orquestal adecuado, o más bien uno que no amortiguara este canto."

Tras llegar a Nueva York, Rachmaninoff -uno de los mayores virtuosos de su época o de cualquier otra- la interpretó dos veces, primero con Walter Damrosch y la Sinfónica de Nueva York, y de nuevo, seis semanas después, con Gustav Mahler y la Filarmónica de Nueva York. Rachmaninoff aprobó el riguroso enfoque de Mahler. "Según Mahler", escribió Rachmaninoff, "cada detalle de la partitura era importante, una actitud que desgraciadamente es rara entre los directores".

A pesar de varias actuaciones de éxito, odiaba su estancia en Estados Unidos. "Todo el mundo es amable y simpático conmigo, pero todo esto me aburre terriblemente", confesó en una carta a su primo. "Siento que mi carácter se ha arruinado bastante aquí". Rechazando una oferta de trabajo de la Sinfónica de Boston, el añorado compositor regresó a Rusia.

Una escucha más atenta

El Tercer Concierto para Piano no fue un éxito inmediato. Largo e implacablemente contrapuntístico, requiere una rara combinación de atletismo y delicadeza, precisión y pasión. Organizado en tres movimientos rápidos-lentos-rápidos, el concierto en re menor comienza con urgencia, con una melancólica melodía rusa. Tras una pirotecnia pianística, sigue un interludio más suave. El Adagio prepara el escenario con vientos y metales graves antes de que el piano irrumpa con un nuevo tema ardiente. Focos de transparente felicidad se ven interrumpidos por feroces acordes en bloque. El final, febril y cambiante, culmina en una coda sin aliento: un magnífico alboroto cromático.

Nacida en Miami en el seno de una familia de neoyorquinos, Arlene Sierra es una compositora estadounidense afincada en Londres y licenciada por el Oberlin College-Conservatory, la Escuela de Música de la Universidad de Yale y la Universidad de Michigan. Sus obras han sido encargadas e interpretadas por numerosos conjuntos de primera fila, como la Filarmónica de Nueva York, las Sinfónicas de Boston, Detroit y Seattle, el International Contemporary Ensemble, la Filarmónica de la BBC y la London Sinfonietta. Recientemente ha sido Compositora Asociada de la Sinfónica de Utah y ha recibido el Premio Takemitsu de Composición, una beca Charles Ives de la Academia Americana de las Artes y las Letras y una beca Leverhulme de Investigación, entre otros galardones y distinciones. Su obra orquestal Moler recibió una nominación al GRAMMY Latino a la mejor composición clásica contemporánea. La música de Sierra figura en una serie de discos de retratos aclamados por la crítica con Bridge Records.

Kiskadee fue un encargo de la League of American Orchestras con el generoso apoyo de la Virginia B. Toulmin Foundation. Kevin John Edusei dirigió la Orquesta Sinfónica de Detroit en el estreno mundial el 19 de octubre de 2023. Posteriormente la han interpretado la Filarmónica de Luisiana, la Filarmónica de Illinois y la Sinfónica de Wheeling, y está previsto que la BBC retransmita el estreno a finales de este año.

Habla el compositor

Kiskadee es la más reciente de mis obras basadas en el canto de los pájaros, continuación directa de Sinfonía de pájaros (2021) por encargo de la Sinfónica de Utah y Aves e insectos, Libro tercero (2023) encargada por el Barbican Centre de Londres para la pianista Sarah Cahill. Como en muchas de mis composiciones basadas en ideas del mundo natural, los procesos de la naturaleza son la base de mi enfoque compositivo, yendo más allá de una simple reflexión o meditación. En Kiskadee mis transcripciones de grabaciones de campo del canto de los pájaros se utilizan como elementos estructurales integrales de la forma de la obra.

Los kiskadees se describen en la base de datos del Laboratorio de Ornitología de Cornell como "bulliciosos tanto en actitud como en color: una máscara negra de bandido, un vientre amarillo y destellos de cálido marrón rojizo cuando vuelan. [Se posan al aire libre y atraen la atención con incesantes llamadas kis-ka-dee y vuelos salteados".

La obra emplea una transcripción del canto del kiskadee, así como transcripciones de sonidos de su entorno. Más tarde, la llamada de otro pájaro, el troupial, suplanta a la del kiskadee, reflejando el comportamiento de superación territorial que se produce en la naturaleza. Más tarde, la llamada del kiskadee se reafirma con fuerza renovada, imponiéndose con su algarabía característica. -Arlene Sierra

En 1895, cuando Strauss completó Till Eulenspiegel lustige Streiche (Las alegres travesuras de Till Eulenspiegel), era un seguro practicante de la música de programa o, como prefería llamar a sus esfuerzos en esta forma, poemas tonales. Esta extraordinaria carrera comenzó aproximadamente una década antes, con Aus Italien (1886), e incluía hasta ese momento Macbeth (1887), Don Juan (1889) y Tod und Verklärung (1889).

Es discutible que Till Eulenspiegel existiera realmente como figura histórica, pero en cualquier caso sigue vivo en el imaginario colectivo alemán: un campesino bromista del siglo XIV que decía la verdad al poder, si es que decir la verdad implicaba flatulencias selectivas, defecaciones de represalia, suplantación de clérigos y manoseos no consentidos. Strauss pensó en escribir una ópera sobre Till, pero decidió no hacerlo tras el fracaso de su primera ópera, Guntram. En su lugar, eligió una forma que estaba seguro de dominar.

Con unos 15 minutos de duración, Till Eulenspiegel es el poema tonal más breve de Strauss, pero la mayoría de los músicos de orquesta lo consideran uno de los más sobrecogedores. Compuesta para una orquesta de gran tamaño (tres vientos, ocho trompas), esta cabalgata incesante de bromas sonoras y travesuras rítmicas está erizada de síncopas punzantes y compases complicados. Desde el punto de vista tonal, Strauss exige virtuosismo e hilaridad a partes iguales: el solista de trompa puede trastear y sudar sobre ese gancho principal que suena sin esfuerzo, pero como el tema representa al travieso sujeto malcriado, no puede sonar demasiado refinado o noble. Tiene que sonar escurridizo e insolente, el aria espontánea de un Bart Simpson medieval.

Habla el compositor

Como su héroe epónimo era bien conocido por la mayoría de su público, Strauss no vio razón alguna para molestarse en presentar un ensayo explicativo. "Realmente no puedo ofrecer un programa para Eulenspiegel", confesó en una carta a Franz Wüllner, que dirigió la primera representación. "Cualquier palabra en la que pudiera expresar los pensamientos que me sugieren los diversos incidentes difícilmente sería suficiente; incluso podría ofender. Permítanme, por tanto, dejar a mis oyentes que rompan la dura nuez que el Canalla les ha ofrecido. Para ayudarles a comprender mejor, me parece suficiente señalar los dos motivos de Eulenspiegel [Strauss esbozó aquí los compases iniciales y el tema principal de trompa], que, en los más diversos disfraces, estados de ánimo y situaciones, impregnan el conjunto hasta la catástrofe cuando, tras ser condenado a muerte, Till es colgado en la horca. Por lo demás, que adivinen la broma musical que les ha ofrecido Rogue".

Una escucha más atenta

La partitura de Strauss requiere una orquesta maciza con una sección de percusión considerable, incluida una carraca, o matraca, un instrumento apropiadamente odioso. Till está representado por dos temas conectados. El primero, cantado por la trompa, es una melodía lírica descendente que abarca casi tres octavas antes de concluir con tres notas largas y fuertes. El segundo, cantado por el clarinete en re, es sinuoso y anticuado, un pequeño motivo furtivo que se escapa con una risita enloquecedora. La música introductoria, recatada y un poco antigua, que Strauss comparó con un cuento de hadas, sirve como sujetalibros de "una vez en la vida", volviendo después de la espeluznante ejecución de Till para evitar que el poema tonal termine deprimido. Entre estos sujetalibros musicales, Strauss ofrece un montón de pintura tonal de primera: Till galopa por un mercado abarrotado y destruye ruidosamente las mercancías de los vendedores (¡tiempo de trinquete!); Till asume el atuendo de un sacerdote, junto con su pomposo comportamiento (fagotes y violas lúgubres); Till fracasa en su intento de seducir a algunas damas (cuerdas cómicamente exageradas); Till marcha hacia la horca y es ejecutativeamente despachado por el Estado (redoble de caja y trombones siniestros, adornados con un clarinete chillón para marcar el momento de la muerte de Till).